En apenas 17 años que llevamos del siglo XXI, ya han sido producidas y exhibidas miles de películas. Una ingente cantidad de la que no siempre nos llega información y entre la que es fácil perderse y dejar pasar títulos que seguramente sean imprescindibles para cualquier cinéfilo.

Así que en BYFANZINE vamos a proponerte una gran película por año recorrido de éste siglo XXI, aprovechando la detallada lista que han elaborado los críticos de cine del New York Times, Manohla Dargis and A.O. Scott, con la colaboración de Kathryn Bigelow, Guillermo del Toro, Ava DuVernay, Barry Jenkins, Richard Linklater, Robert Pattinson y Michelle Williams.

Puede que eches en falta alguna, pero seguro que todas las que mencionamos aquí pasarán a formar parte del selecto grupo de indispensables para entender el cine del siglo XXI.

2000 Yi Yi. Dirigida por Edward Yang.

Sinopsis: NJ Jian, su esposa Min-Min y sus dos hijos forman una típica familia de clase media, que comparte su apartamento en Taipei con la anciana madre de Min-Min. NJ tiene 45 años y trabaja como socio en una empresa informática que el año anterior obtuvo importantes beneficios, pero que pronto podría quebrar si no cambia de estrategia. Las cosas empiezan a ir mal para los Jian cuando el hermano de Min-Min, Ah-Di, se casa. De alguna manera entre todos los problemas que tienen deben aprender lo hermosa que es la vida y cómo hay que cuidarla, sea cual sea la situación que nos toque vivir.

Una crónica apasionante de tres horas sobre la vida moderna de una familia taiwanesa. Una película en la que nadie sabe más de la mitad de la verdad, o es feliz más de la mitad del tiempo”, algo que también podría decirse (con optimismo) de la vida misma. “Yi Yi” es una de esas películas que recuerdas menos como algo que viste que como algo que experimentaste, como si fueras uno de los vecinos de Jians en Taipei.

Yang es una de las figuras principales – junto con Hou Hsiao-hsien y Tsai Ming-liang – del nuevo cine de Taiwan de los años noventa. “Yi Yi” fue su primera película estrenada en los Estados Unidos y también, trágicamente, la última película que rodó antes de su muerte en 2007.

La acción transcurre por las densas calles de Taipei, interrumpido por un viaje a Tokio. Invocar el cliché de que las ciudades mismas son personajes de las películas sería subestimar su significado. El carácter de las ciudades modernas – espacios de soledad e intimidad, donde el brillante futuro global descansa sobre una base enterrada de la tradición local – es uno de los temas principales de Yang. Y pocos artistas examinan la vida urbana contemporánea tan agudamente.

2000: Festival de Cannes: Mejor director; nominado a Palma de Oro
2001: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2000: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera
2001: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película extranjera
2000: Premios Cesar: Nominada a mejor película extranjera
2001: Festival de Friburgo: Gran Premio
2000: Festival de Karlovy Vary: Premio Netpac
2000: Festival de Valladolid: Premio Espiga de Oro

2001 El viaje de Chihiro (Spirited Away). Dirigida por Hayao Miyazaki.

Sinopsis: Chihiro es una niña de diez años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un túnel, llegan a un mundo fantástico, en el que no hay lugar para los seres humanos, sólo para los dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro se siente muy sola y asustada.

“En “Spirited Away” tienes una chica justo en el umbral de convertirte en una mujer joven y dejar atrás su infancia, figurativa y literalmente. Chihiro comienza la narración como un niño, la forma en que se sienta, la forma en que la encontramos por primera vez sentada en el asiento del coche, las piernas hacia arriba, es completamente infantil.

Evoluciona desde su equilibrio, vestimenta, actitud, emoción y espiritualidad de ser una niña a ser una mujer joven y conocer su propio yo, y en esa proceso tiene que pasar por la pérdida de todo. Pierde a sus padres, pierde su nombre, no se llama nada, se llama Sen, se llama cero. Hay una meditación hermosa, muy melancólica – la misma melancolía que impregna todas las películas de Miyazaki.

Miyazaki tiene un enfoque para hacer monstruos que es único. Son completamente nuevos en cuanto a diseño, pero están arraigados a la sabiduría antigua. Parecen representar fuerzas primitivas y, en muchos casos, son espíritus arraigados a la tierra, al viento, al agua. Son muy elementales.

Siempre busca la gracia o el poder, y puede usar el poder para los buenos y los malos por igual, y puede usar la gracia para monstruos destructivos o monstruos beneficiosos. Esa es la belleza de Hayao Miyazaki. Entiende que una de las cosas esenciales es no buscar nada bueno porque por definición se volverá malo. No busques nada hermoso porque por definición se vuelve feo.”

Guillermo del Toro.

2002: Oscar: Mejor largometraje de animación
2003: Nominada Premios BAFTA: Mejor película de habla no inglesa
2002: Festival de Berlín: Oso de Oro (ex aequo con “Bloody Sunday”)
2002: Nominada Cesar: Mejor película extranjera
2002: National Board of Review: Mejor largometraje animado
2002: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor largometraje de animación
2002: Festival de Sitges: premio especial (Hayao Miyazaki). 2 nominaciones
2002: Critics’ Choice Awards: Mejor largometraje de animación
2002: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor largometraje de animación

2003 ¡Olvídate de mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind). Dirigida por Michel Gondry.

Sinopsis: Joel (Jim Carrey) recibe un terrible golpe cuando descubre que su novia Clementine (Kate Winslet) ha hecho que borren de su memoria todos los recuerdos de su tormentosa relación. Desesperado, se pone en contacto con el creador del proceso, el Dr. Howard Mierzwiak, para que borre a Clementine de su memoria. Pero cuando los recuerdos de Joel empiezan a desaparecer de pronto redescubre su amor por Clementine. Desde lo más profundo de su cerebro intentará parar el proceso.

Una película que combina la risa y la melancolía, la nostalgia y la esperanza. Es una película sobre cómo nunca olvidarás tu primer amor, a menos que tengas un científico loco con un extraño invento para ayudarte. También se trata de cómo el deseo y la pérdida son inseparables, y de cómo el anhelo de limpiar la pizarra y comenzar de nuevo es sólo otro caso de la eterna recurrencia humana.

La escritura de Charlie Kaufman tiene el equilibrio perfecto de cinismo y sensibilidad, y el ingenio caprichoso del director Michel Gondry lo iguala o incluso supera. Lo único mejor que volver a verla sería borrarla de tu memoria y redescubrirla por primera vez.

2004: Oscar: Mejor guión original. 2 nominaciones
2004: Globo de Oro: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película comedia/musical
2004: 2 Premios BAFTA: Mejor montaje y guión original. 6 nominaciones
2004: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera
2004: National Board of Review: Mejor guión original (Charlie Kaufman)
2004: Asociación de Críticos de Los Angeles: Finalista a mejor guión
2004: Toronto: Mejor director (Michel Gondry), guión original
2004: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2004: Critics’ Choice Awards: 3 nominaciones, a Mejor película, actriz y guión
2004: Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original
2004: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor actriz (Kate Winslet)

2004 Million Dollar Baby. Dirigida por Clint Eastwood.

Sinopsis: Después de haber entrenado y representado a los mejores púgiles, Frankie Dunn (Eastwood) regenta un gimnasio con la ayuda de Scrap (Freeman), un ex-boxeador que es además su único amigo. Frankie es un hombre solitario y adusto que se refugia desde hace años en la religión buscando una redención que no llega. Un día, entra en su gimnasio Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), una voluntariosa chica que quiere boxear y que está dispuesta a luchar denodadamente para conseguirlo. Pero lo que más desea y necesita es que alguien crea en ella. Frankie la rechaza alegando que él no entrena chicas y que, además, es demasiado mayor. Pero Maggie no se rinde y se machaca cada día en el gimnasio, con el único apoyo de Scrap. Finalmente, convencido de la inquebrantable determinación de Maggie, Frankie decide entrenarla.

Eastwood siempre ha estado más cerca de los géneros cinematográficos clásicos y en este caso la película se centra en el mundo del boxeo, pero no es el típico cliché. Y eso que en lugar de intentar innovar se asienta en las convenciones del género, pero lo hace con una confianza y facilidad magistral, descubriendo profundas corrientes y notas sentimentales que nadie había notado antes.

Si por alguna razón insondable todavía no has visto “Million Dollar Baby”, no vamos a estropearte la trama diciendo nada más. Pero si lo has visto, sabes que hay mucho más en esta película que su argumento inicial. La burla caliente y aguda entre los personajes principales nunca envejece. Las imágenes, grabadas por el director de fotografía habitual de Eastwood, Tom Stern, brillan aportando un sentimiento sombrío, inexpresivo.

2004: 4 Oscars: Mejor película, director, actriz, actor secundario. 7 nominaciones
2004: 2 Globos de Oro: Mejor director y actriz drama (Hilary Swank). 5 nominaciones
2004: Premios David di Donatello: Mejor película extranjera
2005: Premios Cesar: Mejor película extranjera
2004: Premio Especial National Board of Review: Clint Eastwood
2004: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor director (Clint Eastwood)
2004: Asociación de Críticos de Los Angeles: Finalista a mejor película y actor sec.
2004: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2004: Critics’ Choice Awards: Mejor actriz (Swank). 4 nominaciones
2004: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor Director
2004: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
2004: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director
2004: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado
2004: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz (Swank) y actor sec. (Freeman)

2005 Munich. Dirigida por Steven Spielberg.

Sinopsis: Basada en hechos reales. Tras el asesinato de varios atletas israelíes por el grupo terrorista palestino “Septiembre Negro” durante los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, un agente especial del Mossad tuvo que ejecutar una misión altamente secreta: asesinar a los responsables.

2005: 5 nominaciones al Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, edición y música.
2005: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor director, guión adaptado.
2005: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2005: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actor de reparto
2005: 2 nominaciones Critics’ Choice Awards: Mejor película, director
2005: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director

2006 La muerte del Sr. Lazarescu (The Death of Mr. Lazarescu). Dirigida por Cristi Puiu.

Sinopsis: El señor Lazarescu es viudo y vive solo en un apartamento con sus tres gatos. Su hija Bianca se marchó a vivir a Canadá. Una noche, el solitario anciano se siente mal y llama a una ambulancia. Lo llevan a un hospital, y desde allí a otro y a otro más, pero en ninguno pueden atenderlo. Mientras tanto, su estado de salud se va agravando rápidamente.

El título en si ya es un spoiler. Cuando nos encontramos por primera vez con Dante Lazarescu, un residente retirado de Bucarest con 60 años de edad (aunque parece más viejo), se queja de dolores de estómago. Un poco más de dos horas y media más tarde, más o menos en tiempo real, ha dejado este mundo, desamparado y casi desapercibido.

¿Por qué deberíamos preocuparnos? Esa es la pregunta – nada retórica – planteada por la sombría, emocionante y extrañamente divertida segunda película de Cristi Puiu.

Puiu utiliza largas tomas y un mínimo movimiento de cámara para crear un sentido de realidad vívida y absorbente, casi claustrofóbica. Se centra sin remordimientos en los pequeños absurdos y las grandes iniquidades que definen la vida en Rumania más de una década después de la caída de la dictadura comunista de Nicolae Ceausescu.

Pero si bien se trata de una experiencia intensamente local, se abre y repercute mucho más allá, exponiendo los engranajes oxidados de la burocracia de Europa del Este y el detritus de sus propias malas decisiones. Lazarescu está en peligro por la arrogancia y la indiferencia de los poderosos – los médicos y los burócratas del hospital tan fascinados por su propia autoridad que son ciegos a su sufrimiento.

Una conductora de ambulancia, interpretada por la gran actriz rumana Luminita Gheorghiu, se convierte en la defensora y aliada de Lazarescu, siendo la única persona capaz de insistir, heroicamente aunque en vano, que se debe prestar atención a este hombre. Una fábula metafísica, desgarradora y oscuramente humorística, disfrazada como una tragedia de la vida.

2005: Festival de Cannes: Mejor película (sección “Un Certain Regard”)
2005: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película extranjera
2006: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz secundaria (Gheorghiu)

2007 Pozos de ambición (There Will Be Blood). Dirigida por Paul Thomas Anderson.

Sinopsis: Texas, principios del siglo XX. Una historia sobre la familia, la avaricia y la religión. Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) se traslada a una miserable ciudad con el propósito de hacer fortuna, pero, a medida que se va enriqueciendo, sus principios y valores desaparecen y acaba dominado por la ambición. Tras encontrar un rico yacimiento de petróleo en 1902, se convierte en un acaudalado magnate. Cuando, años después, intenta apoderarse de un nuevo yacimiento, tiene que enfrentarse al predicador Eli Sunday (Paul Dano). Adaptación de la novela de Upton Sinclair “Petróleo”, escrita en 1927.

“There Will Be Blood” es una obra maestra sobre el amor, la muerte, la fe, la codicia en un contexto de petróleo y sangre ambientado en la America del siglo XX. Destila una historia angustiante a través de un prospector – interrpetado con intensidad demoníaca por Daniel Day-Lewis – que persigue un sueño salvaje. Un viaje en el que empezará encarnando los mejores valores para acabar reflejando lo peor de los mismos.

La película ofrece una visión profundamente inquietante de aquellos Estados Unidos, pero también es un homenaje al cine, con secuancias que nos recordarán a “2001: Una odisea del espacio”o ” Ciudadano Kane “.

2008: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
2008: Festival de Berlín: Oso de Plata al Mejor director y contribución artística sob.
2007: 2 Oscars: mejor actor principal (Day-Lewis), fotografía. 8 nominaciones
2007: Globo de Oro: Mejor actor dramático (Day-Lewis). 2 nominaciones
2007: Premios BAFTA: Mejor actor (Day-Lewis). 9 nominaciones
2007: Asociación Críticos de Los Angeles: Película, director, actor (Day-Lewis)
2007: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2007: 2 Critics’ Choice Awards: Mejor actor y compositor. 3 nominaciones
2007: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor Actor (Day-Lewis). 6 nominaciones
2007: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
2007: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
2007: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado
2007: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Daniel Day-Lewis)
2008: Premios Sur: Nominada a mejor película extranjera

2008 Wendy and Lucy. Dirigida por Kelly Reichardt.

Sinopsis: En compañía de su perra Lucy, Wendy se traslada a Alaska para desempeñar un nuevo y lucrativo trabajo en una fábrica de conservas de pescado. Todo va bien hasta que, al cruzar el estado de Oregón, su modesto Honda Accord de los 80 se avería y tiene que llevarlo a un taller. Sus recursos económicos son tan limitados que acaba robando en un supermercado una lata de comida para perros, pero es descubierta y llevada a comisaría. Cuando, a las pocas horas, es puesta en libertad, resulta que Lucy ha desaparecido. Wendy tendrá entonces que recuperar a su perra y pagar la factura del taller. Así las cosas, tanto su dinero como su autoestima irán disminuyendo cada vez más.

Wendy and Lucy es otro brillante ejemplo de cómo de absorbente puede ser una película cuando el argumento no se interpone entre nosotros y el personaje. Un duro retrato de la crisis de 2008, justo en medio de la campaña electoral norteamericana y el incipiente colapso económico.

2008: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2008: Festival de Gijón: Sección oficial de largometrajes a competición
2008: Premios Independent Spirit: 2 nominaciones incluyendo Mejor película

2009 Las horas del verano (Summer Hours). Dirigida por Olivier Assayas.

Sinopsis: Entre tres hermanos estalla un conflicto cuando su madre, albacea de la excepcional colección de arte del siglo XIX que perteneció a su tío, muere repentinamente. Sin embargo, no tendrán más remedio que limar asperezas y llegar a un acuerdo. Adrienne es en Nueva York una diseñadora de éxito, Frédéric es economista y profesor universitario en París, y Jérémie, un dinámico hombre de negocios asentado en China. Esta situación representa para ellos el fin de la niñez y de los recuerdos compartidos.

El director Olivier Assayas es un cuentacuentos inteligente y astuto. “Summer Hours” comienza en una fiesta de cumpleaños de una mujer de 70 años de edad (Édith Scob), que está rodeada de su familia, incluyendo a sus tres hijos adultos. Assayas presume de ser francés con cariño y escepticismo, como hacen muchos franceses. Para sus personajes, las partes estéticas y sensuales de la vida se enredan en ideas y las ideas residen en emociones y objetos. En “Horas de Verano”, un problema práctico al que muchas familias se han enfrentado – qué hacer con las propiedades de un padre muerto, en este caso incluyendo pinturas y chucherías que pueden tener algo más que valor sentimental – se convierte en un drama sorprendentemente emocionante sobre la mortalidad , la familia y los efectos de la globalización en la vida europea.

2009: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera
2009: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2009: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película extranjera
2008: Premios César: Nominada a Mejor Actriz Sec. (Scob)

2010 Una mujer en Africa (White Material). Dirigida por Claire Denis.

Sinopsis: En un conflictivo país del corazón de África, vive María (Isabelle Huppert), una terrateniente en cuyas tierras se cultiva sobre todo café. Es una mujer de carácter fuerte y altivo, acostumbrada a ejercer un férreo control en sus propiedades. Por eso, cuando está a punto de estallar en el país una guerra civil, no duda en defender su cosecha con uñas y dientes.

Claire Denis es una directora francesa que nació y se crió en el África colonial francesa, de ahí la importancia que tiene en su filmografía. No sentimentaliza a África ni intenta hacer una declaración política. La conoce bien y espera mostrarla tal como la ve.

White Material es una hermosa y desconcertante película. La calidad enigmática de la actuación de Huppert nos atrae. Nunca se irá de allí, y aunque sabemos que probablemente morirá parece inconsciente de ese riesgo.

2009: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
2010: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa

2013 Un toque de violencia (A Touch of Sin). Dirigida por Jia Zhangke.

Sinopsis: Cuatro personajes, cuatro provincias, una reflexión sobre la China contemporánea: una sociedad con un desarrollo económico colosal que convive con una enorme violencia. Dahai, un minero exasperado por la corrupción de los dirigentes de su pueblo, decide pasar a la acción. San’er, un emigrante, descubre las infinitas posibilidades que le ofrece su arma. Xiaoyu, recepcionista en una sauna, no soporta más el acoso de un cliente rico. Xiaohui pasa de un trabajo a otro en condiciones cada vez más degradantes.

Imbuido de violencia y tristeza, “Un toque de violencia” es una asombrosa película del director chino Jia Zhangke. Dividido en cuatro capítulos, está inspirada en una serie de conflictos violentos ampliamente conocidos en China. Las cuatro historias juntas permiten a Jia -como dijo en una entrevista- “pintar el rostro” de la China contemporánea.

Como dijo Carlos Boyero, “Un toque de violencia” es densa, poderosa y terrible. Es una película que ha tenido muchos problemas en China, y no me extraña, porque en ella está flotando todo el rato que algo huele a podrido en el país. Todas las historias contadas acaban en una violencia extrema, sin que haya tampoco teorías excesivas sobre esa violencia”.

2013: Festival de Cannes: Mejor guión
2013: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película extranjera

2014 Timbuktu. Dirigida por Abderrahmane Sissako.

Sinopsis: Año 2012, la ciudad maliense de Tombuctú ha caído en manos de extremistas religiosos. Kidane vive tranquilamente en las dunas con su esposa Satima, su hija Toya e Issam, un niño pastor de 12 años. Pero en la ciudad los habitantes padecen el régimen de terror impuesto por los yihadistas: prohibido escuchar música, reír, fumar e incluso jugar al fútbol. Las mujeres se han convertido en sombras que intentan resistir con dignidad. Cada día, unos tribunales islamistas improvisados lanzan sentencias tan absurdas como trágicas. El caos que reina en Tombuctú no parece afectar a Kidane hasta el día en que accidentalmente mata a Amadou, un pescador que ha acabado con la vida de su vaca favorita. Ahora debe enfrentarse a las leyes impuestas por los ocupantes extranjeros.

“Tombuctú” es una película trágica pero no nihilista. Sissako no se niega a mostrar violencia, pero nunca se regodea con ninguno de los horrores que muestra. En su lugar, responde a esas atrocidades con belleza visual y momentos de alegría y placer cotidianos que, conforme se desarrolla la historia, se registran como actos de resistencia artística. También insiste en humanizar a los yihadistas, como cuando un hombre mayor dirige en vano a un joven sobre cómo entregar un discurso para un video de propaganda. Es una escena extraordinaria, a la vez absurda y creíble, y un recordatorio de la verdad de que son las personas, no los monstruos sin rostro, las que cometen estos horrores.

2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2015: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa
2014: 7 Premios César: incluyendo Mejor película y director. 8 Nom.
2014: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
2015: Premios Guldbagge (Suecia): nominada a mejor película extranjera
2015: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2014: Festival de Chicago: Mejor director
2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa

2014 Momentos de una vida (Boyhood). Dirigida por Richard Linklater.

Sinopsis: Historia dramática que recorre 12 años (2002-2013) de la vida de Mason (Ellar Coltrane), los mismos que tardó su director en rodarla. Durante este periodo, se producen todo tipo de cambios, mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, desilusiones y momentos maravillosos. Un viaje íntimo y basado en la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.

Lo ordinario se vuelve extraordinario en “Boyhood”, la historia de Richard Linklater sobre un niño que se convierte en una historia sobre el realismo cinematográfico y su poder. En 12 años sucesivos la historia se centra en Mason, que es un soñador de 6 años de edad cuando la película comienza y tiene 18, a punto de comenzar la universidad cuando llega a su final. Mason crece ante nuestros ojos, en una progresión que a veces parece apenas perceptible, pero que en otras ocasiones puede golpearnos de lleno, recordando esos momentos cuando te miras en el espejo y te preguntas, ¿Cómo ha pasado el tiempo?

2014: Premios Oscar: mejor actriz secundaria (Patricia Arquette). 6 nominaciones
2014: 3 Globos de Oro: Mejor película – Drama, director y actriz sec. (Arquette)
2014: Premios César: Nominada a Mejor film extranjero
2014: Premios BAFTA: Mejor película, director y actriz secundaria (Arquette)
2014: Premios Guldbagge: Nominada a Mejor película extranjera
2014: Festival de Berlín: Mejor director
2014: Festival de Sundance: Estreno mundial (sección “Premieres”)
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2014: Festival de San Sebastián: Gran Premio FIPRESCI: mejor película del año
2014: National Board of Review: Mejores 10 películas del año
2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, director y actriz sec. (Arquette)
2014: Críticos de Los Angeles: Mejor película, director, actriz (Arquette) y montaje
2014: Premios Gotham: 4 nomin. (mejor película, actor, actriz, actor revelación)
2014: Premios Independent Spirit: Mejor director y actriz secundaria (Arquette)
2014: Satellite Awards: Mejor director y actriz sec. (Arquette). 7 nominaciones
2014: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
2014: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
2014: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz secundaria (Arquette). 3 Nom.
2014: Critics Choice Awards: 4 premios incluyendo Mejor película y director
2014: Asociación de Críticos de Chicago: 3 premios incluyendo Mejor película

2015 Del revés (Inside Out). Dirigida por Pete Docter y Ronnie del Carmen.

Sinopsis: Riley es una chica que disfruta o padece toda clase de sentimientos. Aunque su vida ha estado marcada por la Alegría, también se ve afectada por otro tipo de emociones. Lo que Riley no entiende muy bien es por qué motivo tiene que existir la Tristeza en su vida. Una serie de acontecimientos hacen que Alegría y Tristeza se mezclen en una peligrosa aventura que dará un vuelco al mundo de Riley.

Más que cualquier otro estudio o cineasta en el siglo XXI, Pixar Animation Studios ha confirmado el venerable ideal de hacer buenas películas para todos los públicos.

Y seguramente la película de Pixar que más destaque hasta ser un serio candidato a clásico de la animación es “Inside Out”, con mucho la caricatura más inventiva, conmovedora, cautivadora y filosóficamente astuta sobre la psicología que se ha hecho este siglo. La personificación de los conceptos abstractos y la representación visual de la conciencia humana desde el interior son asombrosos, ejecutados con inventiva sin par. Y el mensaje – que la tristeza es tan esencial en nuestras vidas como Joy – es perfectamente igualado por una historia que provoca risas y lágrimas por igual.

2015: Premios Oscar: mejor film de animación. Nominada a mejor guión original
2015: Premios Annie: 10 premios, incluyendo Mejor película y dirección
2015: Premios BAFTA: Mejor film animado
2015: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
2015: Globos de Oro: Mejor filme de animación
2015: Premios David di Donatello: Nominado a mejor film extranjero
2015: National Board of Review (NBR): Top 10, Mejor largometraje de animación
2015: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2015: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
2015: Críticos de Los Angeles: Nominada a Mejor largometraje de animación
2015: Satellite Awards: Mejor largometraje de animación. 4 nominaciones
2015: Critics Choice Awards: Mejor largometraje de animación
2015: Críticos de Chicago: Mejor film de animación. 4 nominaciones
2015: Sindicato de Productores (PGA): Mejor película de animación

2016 Moonlight. Dirigida por Barry Jenkins.

Sinopsis: Chiron es un joven afroamericano con una difícil infancia y adolescencia, que crece en una zona conflictiva de Miami. A medida que pasan los años, el joven se descubre a sí mismo intentando sobrevivir en diferentes situaciones. Durante todo ese tiempo, Chirón tendrá que hacer frente a la drogadicción de su madre y al violento ambiente de su colegio y su barrio.

Moonlight es ese tipo de películas que amas y defiendes de alguna manera especial. Desde la primera vez que la ves sientes un afecto inusualmente intenso e íntimo por su personaje, realizas una inversión sensorial casi protectora, porque “Moonlight” solicita ese tipo de afecto por Chiron, como un niño, un adolescente y un hombre. La gente habla de identificarse o relacionarse con un personaje, pero lo que sucede aquí es diferente. Te sientes cerca de él. Responsable de él. Hemos estudiado esta película de cerca, y todavía no estamos seguros de cómo Barry Jenkins hizo que eso suceda.

2016: 3 Premios Oscar: Mejor película, guión adaptado y actor de reparto (Ali)
2016: Globos de Oro: Mejor película drama. 6 nominaciones, inc. Mejor director
2016: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película
2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2016: National Board of Review (NBR): Mejores 10 pel., director y actriz sec. (Harris)
2016: 6 Premios Independent Spirit: incl. mejor película, director, guión y fotografía
2016: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director, actor sec. y fotografía
2016: Críticos de Los Angeles: Mejor película, director, actor sec. y fotografía
2016: Círculo de Críticos de San Francisco: 6 premios, inc. Mejor película y director
2016: Festival de Mar del Plata: Mejor actor (Mahershala Ali)
2016: Premios Gotham: Mejor película, guión y reparto
2016: Critics Choice Awards: Mejor reparto y actor sec. (Mahershala Ali). 10 nomin.
2016: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
2016: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director/película
2016: Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original
2016: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor secundario (Mahershala Ali)
2016: British Independent Film Awards (BIFA): Mejor película internacional
2016: Satellite Awards: Mejor actriz sec. (Harris) y guión original. 7 nominaciones

Tus opiniones

opiniones

No Hay Más Artículos

Cookies!!

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información. ACEPTAR

eh!!

TOD@S SOMOS ARTE

Llévate nuestras cosas a casa. Algunas novedades y curiosidades. También artistas y series. Pequeñas dosis de arte y cultura.